CONVOCATORIA: Actores y Actrices

Abrimos la convocatoria para los talleres de montaje del 2014: 

MONTAJE TEATRAL: Teatro Joven. 

¡Terminá tu año con un espectáculo en cartel! 

¿A quién está dirigido?: Estudiantes avanzados de actuación y actores que quieran desarrollar su caudal creativo en el marco de la investigación colectiva. “Teatro Joven” no tiene límite de edad. 

Inicio: Mediados de marzo del 2014.  

Lugar: Teatro Entretelones. (Enrique Martinez 1427, Colegiales).

Opciones: Jueves 19.00 ó sábados 14.00

Temporada del espectáculo montado: Noviembre y Diciembre.

Arancel: $ 400 por mes.

¿De qué se trata?

Se abordará un proceso de investigación teatral utilizando la improvisación y piezas de diversos autores como disparadores de la creación, para llegar a la construcción de una dramaturgia del actor, y al mundo poético- singular de cada integrante del proyecto.
Se utilizarán diversos ejercicios donde la palabra deviene del accionar del cuerpo, entendido como fuente y sede del sentido, para llegar a ese sistema único y singular, que es la obra de teatro.
Se tomará como punto de partida un tema de investigación grupal y nos nutriremos de diversos estímulos plásticos, literarios y cinematográficos orientando la búsqueda creativa de manera tal de poder recortar la singularidad con la que cada actor es convocado a dialogar con el “tema” común de trabajo.
El Taller Anual finaliza con un trabajo de Montaje con el que se harán 8 funciones en los meses de noviembre y diciembre, en el espacio donde se realizó el proceso creativo.

Modalidad de trabajo:
De marzo a agosto se realizará el trabajo de investigación a través de diversos ejercicios individuales y grupales, con el fin de producir el material textual y los universos poéticos que luego recortaremos y articularemos dramatúrgicamente para producir el espectáculo.
Entre agosto y octubre se montará la obra con la cual cerraremos el taller, realizando temporada de ocho funciones en la sala (noviembre y diciembre).

¿Qué es TEATRO JOVEN?

Un Teatro joven.
Un Teatro combinante de imágenes que despierten a los sentidos.
Un Teatro de cuerpos.
Un Teatro de estados.
Un Teatro crítico de la "realidad".
Un Teatro instituyente.

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Crítica a "Azulejos Amarillos", por Elis Danoviz

La materialización del eterno retorno

Nada me resulta más emocionante que entrar en una sala de teatro, ver que los actores ya están en escena y reciban al público en plena acción. Esto me hace pensar que el comienzo de la pieza teatral tuvo lugar antes que entremos y me hace intuir que no terminará cuando nos vayamos.

Así se inicia Azulejos amarillos, recibiendo al espectador con tanta carga de gestos como de sorpresa. ¿Qué hacen dos músicos (vestidos como si hubieran quedado varados en el teatro isabelino) dentro del baño de un teatro contemporáneo rodeado de carteles luminosos que anuncian otras piezas, de un Shakespeare boquiabierto, un inodoro, un mingitorio y un cartel que indica que allí se hace Teatro joven?

Para empezar a desmenuzar esta pieza, es preciso advertir que aquí no hay lugar para el realismo, sino más bien, una mezcla de absurdo y comicidad constante que discurre acerca de la metateatralidad en el encierro de un toliette al que sus dos protagonistas, los plomeros Pepe (Dionisio Javier Pastor) yPridamante (Augusto Ghirardelli), pretenden reparar. Sin embargo,  paradójicamente, este espacio y este modo de llevar a cabo una puesta en escena serán solo una apoyatura para disertar sobre la vida, el arte y, me atrevo a decir, la locura, de forma literal y metafórica.

Este sitio atípico permite a los personajes compartir sus deseos, sus frustraciones, invadir sus recuerdos más reprimidos y volver sobre sus pasos para desentrañar el eterno dilema entre el artista amateur y el artista de oficio, la pasión por la poesía, la música y el afán de convertir un sonido en algo mágico, eterno y duradero. Probablemente, sea esta música y este sonido la pulsión vital que todos, personajes, actores y espectadores, llevamos dentro y somos capaces de defender por más absurda que parezca ante la mirada del otro.

En esta puesta, la intervención del director Sebastián Kirzsner, sobre el texto dramático escrito por Ricardo Dubatti, hace de este encuentro entre ambos una explosión de imágenes, recursos y signos teatrales. El texto espectacular da un giro totalmente sorpresivo al sumar sobre el escenario la presencia musical deMúsico 2 (Daniel Ibarra) y Músico 2 bis (Eduardo Lázaro). Ellos, a medida que la acción va avanzando, desenvuelven su repertorio de forma lenta pero efectiva, valiéndose de gestos tan potentes y comunicantes que por momentos, pueden darse el lujo de carecer de la palabra. Asimismo, esta participación se complementa con aquello que los protagonistas explican, de modo especular en ciertas situaciones, representando las anécdotas narradas y yendo un poco más allá, dando un desenlace alternativo –o no tanto–  a los recuerdos de Pridamante. En esta puesta son las formas de representar la acción teatral las que subrayan el juego escénico: a través del silencio, del gesto, de la música, de la repetición y del flashback. A su vez, se hace uso de múltiples recursos para significar lo mismo, lo que implica que cada actor pueda exponer su versatilidad en el escenario desde la metateatralidad, para luego poner la mirada sobre la demencia hacia la cual puede conducirse un ser humano en pos de perseguir una y otra vez, como en un loop eterno, sus propios anhelos.

Esta reunión casual del oficio con el arte probablemente sea una excusa para recorrer en un diálogo beckettiano, que gira en forma de espiral sobre todo y nada a la vez, el rol del arte en la vida cotidiana. Posiblemente muchos mensajes enunciados aquí queden resonando en la mente del espectador (como queda en el recuerdo de Pridamante, el sonido de los azulejos al romperse) una vez que concluya la función, si es que concluye alguna vez o sigue girando en ese eterno retorno del deseo humano, tanto dentro como fuera de escena. O, simplemente, se olvide todo lo anterior y se vuelva a empezar.

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Crítica a "Azulejos Amarillos", por Sabrina Haimovich

Azulejos amarillos

Por Sabrina Haimovich

El arte está en el escenario; los actores, sobre las tablas, y los espectadores, en las butacas. ¿Qué pasa si corremos la mirada y nos desplazamos al baño de un teatro? En ese espacio donde se cruzan las personas, donde salen de sus roles preestablecidos, puede surgir algo nuevo. Esta es la propuesta de Azulejos amarillos, escrita por Ricardo Dubatti y dirigida por Sebastián Kirszner.

Se trata de una obra cómica y absurda que parte del encuentro de dos albañiles (Pepe y Pridamante) y dos músicos (Músico 2 y Músico 2 bis) en el baño de un teatro. Los primeros van a hacer unas reparaciones y los segundos están ensayando, pero ni los unos ni los otros pueden cumplir con sus tareas. Mientras que el ensayo se ve interrumpido por las reparaciones, el arreglo estipulado nunca llega porque los albañiles se ven seducidos por las melodías. Es un encuentro entre lo sublime del arte y lo cotidiano de los oficios. El poema del bidet que Pepe tenía guardado en el inodoro y el concierto de gotas de un techo mal arreglado, que lo traumó a tal punto de no poder tener encuentros amorosos los días de lluvia, para citar algunas de las situaciones que rompen la división tajante entre dos mundos que se suponen alejados.

El título de la obra remite a la historia de Pridamante, que lleva en su caja de herramientas un azulejo amarillo brillante, hermoso. El clímax se produce cuando los personajes disputan para ver este objeto misterioso, que termina develándose como común y corriente.

La pieza evoluciona desde un aparente realismo hacia planos más oníricos e inconscientes. Los personajes reviven historias traumáticas, se teletransportan a una sesión analítica e, incluso, dudan de su existencia real y, por momentos, toman conciencia de que son personajes de una obra. Azulejos amarillos puede ser entendida como una metáfora del proceso creativo. Los personajes pasan por la idealización que impide ponerse a trabajar, la frustración que implica no seguir el propio deseo, los primeros intentos de mostrarse como artistas y, finalmente, la toma de conciencia de que, mientras buscaban ser artistas, ya lo eran.

Jueves 21 hs. en El Camarín de las Musas. M. Bravo 960.

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Cuando al teatro lo hacen los jóvenes. Los directores sub 30 renuevan la cartelera

Por Daiana German Rieber.

Los nombres de estos jóvenes resuenan en la escena alternativa como referentes a seguir. Aquí, tres ejemplos de teatristas nacidos en la década del 80.

Conseguir un lugar en el ámbito del teatro argentino puede llevar años. Incluso ser reconocido por las obras que estuvieron en cartel puede que nunca llegue. Sin embargo este no es el caso deSebastián Kirszner, Diego Faturos y Natalia Casielles, tres jóvenes directores del teatro alternativo que promedian los 30 años y que hoy ya son veteranos de las tablas pues tienen varias obras en su haber ya sea como directores, dramaturgos o actores y gozan de un nombre propio.

Hay muchos maestros y personalidades que inspiraron y dejaron una huella en ésta nueva generación de creadores. Los tres comenzaron su formación en reconocidas escuelas: Kirzsner, de 28 años, lo hizo en Río Plateado de Hugo Midón; Faturos, de 29, comenzó cuando tenía 13 en Andamio 90 (de Alejandra Boero) y en el caso de Casielles, de 30, su estudio fue con la actriz, dramaturga y directora Andrea Garrote. Una vez graduados participaron de numerosas obras como actores y con el paso del tiempo exploraron también otros horizontes como la dirección y la dramaturgia. Para esta última el gran referente para los tres es Mauricio Kartun y en cuanto a la dirección Claudio Tolcachir y Ricardo Bartís son los modelos a seguir. También resuenan nombres como los de Guillermo Cacace,Daniel Veronese, Roberto Perinelli y Alejandro Tantanián, entre muchos otros. “Es bueno aprender de los más grandes”, destacó Faturos en referencia a su formación y trabajo junto con Tolcachir enLa omisión de la familia Coleman y en Jamón del diablo, donde participa como actor en Timbre 4 (México 3554).

“El teatro es mi lugar en el mundo, es una forma de tomarme la vida donde puedo jugar, experimentar y buscar lenguajes”, definió Sebastián, quien estrenó hace más de un mes Azulejos Amarillos deRicardo Dubatti en el Camarín de Las Musas (Mario Bravo 960), su cuarta obra como director y la sexta como dramaturgo. Para Diego, el joven que se irá en noviembre a China para interpretar La omisión de la familia Coleman, el teatro es un medio de expresión muy fuerte. Por su parte, Natalia, que lleva dirigidas y creadas seis obras como Sueño con cebollas, Afuera llueven conejos y Niña con cara de jirafa, opinó: “El teatro es revolución. Es la cucaracha de la bomba atómica pues se sobrevive pese a la falta de recursos y espectadores”.

“Me siento más seguro en la dirección que en la actuación y en la dramaturgia”, destacó Kirszner quien argumentó que un director debe tener una línea ya que no da lo mismo cualquier decisión. Su intuición lo guió a la hora de elegir sus elencos, a quienes ayudó a moldearse en cada uno de los ensayos aunque nunca les impuso, según afirmó, “la” verdad de la obra sino que su trabajo es en equipo. “Este rol en el teatro se asemeja al director de orquesta de una sinfónica”, comparó el actor de El Mate y sentenció: “El director que dice ‘hacelo así’ y muestra cómo realizarlo es un desastre y sin embargo está lleno de estos tipos”.

Faturos, quien intervino en El puntero en 2011, dirigió seis obras entre las que se encuentran Amanda vuelve, Nos arrancaría de este lugar para siempre y Hundan el Belgrano, además de ser el autor de dos de ellas. Para él lo más placentero de esta labor es descubrir escenas junto con los actores y de este modo lo vive al trabajar con los egresados de Timbre 4 a partir del armado de una obra sobre Eva Perón.

En el caso de Casielles su foco está puesto en la dirección y la dramaturgia, aunque también le divierte mucho actuar y últimamente participó en varios proyectos. “Disfruto de todos los lugares, porque al escribir un texto devengo en directora del mismo y es una unión con lo anterior”, concluyó

En la mayoría de los casos los tres jóvenes han trabajado en base a textos propios aspecto que muchas veces los ha limitado al conocer el espacio con el que contaban en la sala. “Es como una neurosis que se arma porque uno escribe, se la imagina y a veces el lugar te inspira y a la vez te recorta”, señaló el aprendiz de Tolcachir y citó a su profesor Ricardo Monti: “’Si la obra es en la luna, es en la luna’, después uno como director verá cómo lo hace para darle otro vuelo”.

Uno de los mayores desafíos para ellos es compartir ambos roles en una pieza, por lo que tratan de olvidar la puesta en escena que imaginan al crearla para focalizar en el ensayo con los actores.“Cuando empiezo a dirigir mi propio texto lo dejo en la mochila, no lo imprimo hasta la puesta de luces que es en la última semana y de este modo no me ato a mi propia demanda”, reconoció Sebastián quien hoy se encuentra dirigiendo un texto de Ricardo Dubatti a partir del cual pudo reconocer que se siente más cómodo al trabajar con una obra ajena porque se encuentra con otra poética y el desafío a multiplicarla. “Tiene que haber algo del texto que me convoque a dirigirlo y en el caso de Azulejos Amarillos eso está”, justificó.

Otro aspecto que los une es la docencia, un lugar donde cada uno de ellos comparte los saberes con sus alumnos. Kirszner, quien no se ubica en el rol de maestro sino en el de director, realiza un taller de montaje teatral en el Teatro Entretelones (Enrique Martinez 1427). Por su parte, Diego es uno de los que coordina la escuela de Tolcachir en Timbre 4 que tiene más de 600 alumnos: “Disfruto de transmitirles mis herramientas que es muy diferente de enseñar”. Y por último, Casielles es docente titular de las cátedras Literatura y Comunicación Social del Instituto Comunidad Filii Dei, además de enseñar dramaturgia en Andamio 90 y dictar diversos talleres en elteatro La Carpintería.

Según Sebastián la presencia de los jóvenes directores repercute en la aparición de nuevas temáticas en relación a la época en la que crecieron y los tiempos que vivieron, como el gobierno de Carlos Saúl Menem y el haber sufrido en la adolescencia el corralitodel 2001. Además destacó que ésta nueva generación del teatro está muy influenciada por Kartun en la construcción de la dramaturgia.

Por su parte, Natalia cree que siempre va a haber un teatro joven pues, a su parecer, existe una necesidad de catalogar lo que se hace para generar un sentido de análisis ante tanta producción teatral. “No siempre responde a una nueva búsqueda ya que muchos se repiten y entonces ya no es teatro joven por el concepto de estar en crecimiento, sino porque quienes lo realizan son simplemente chicos en edad”, afirmó la directora quien señaló que siempre va a existir este tipo de teatro, que luego se convertirá o no en referente de otro.

Sebastián, Diego y Natalia tienen un estilo que los caracteriza, aunque no por ello repiten formulas. Como directores tienen inclinaciones y apetitos escénicos, a partir de los cuales juegan con historias, trabajan imágenes y exploran nuevos lenguajes. En el caso de Kirszner, el mundo que le inspira a la hora de escribir es el del teatro, es decir, contar historias donde se reflejen las frustraciones del actor, su dificultad para insertase y el lugar del director, entre otros temas. El Casting, Las memorias de Blanch y Azulejos Amarillos, son tres de sus piezas donde aparece este juego con la metateatralidad.Otra cosa que lo identifica es la música en vivo, por lo que reconoció:“Hay algo de la dirección, de lo lúdico y de la comedia que aprendí con Hugo Midón que está en mi obras, es como una huella que ha quedado en mí”.

Otro que tiene una búsqueda definida a la hora de crear es Faturos quien prioriza que lo que suceda en el escenario sea verdad. Destacó que en teatro independiente se pueden llevar a cabo obras sin invertir mucho dinero pues lo que se desafía es la creatividad. “Al no haber plata para construir una determinada escenografía hay que ingeniárselas para que el público lo crea aunque sin subestimarlo. Si el actor piensa en el mar, el espectador lo va a ver”, argumentó.

En cuanto a la posibilidad de vivir del teatro alternativo las respuestas variaron. Sebastián reconoció que al ser salas pequeñas, las entradas no tienen un alto costo y al dividirse la plata entre un gran equipo, es muy difícil subsistir si se trabaja exclusivamente de la obra. Natalia opinó que el teatro, además de a realización de piezas, abarca otras áreas que están relacionadas como dar clases. Ella cree que si se arma ese sistema de trabajo si se puede. Por último, Diego dijo: “Hay que desmitificar que no se puede vivir del teatro alternativo porque sino la profesión se vuelve un fracaso”.

Ellos representan a una generación de directores donde la singularidad hace eco. Promedian los 30 años y en su haber hay muchos maestros, alumnos y obras en cartel y a medida que pasa el tiempo la apuesta cada vez es más fuerte.

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Insospechadas derivaciones poéticas del arreglo de un baño. TIEMPO ARGENTINO.

Por Laura Rauch.

Dos albañiles encargados de una reparación y dos músicos confluyen en el baño de un teatro. Presidido por el inodoro y sonorizado por las cañerías, ese espacio se transforma en escenario de situaciones absurdas y de autorreflexión teatral. 

En el campo actual del teatro, la generación de los jóvenes nacidos a partir de 1980 compone lo que denomina Sub 30 teatral. Dentro de este grupo se sitúan el dramaturgo e investigador Ricardo Dubatti y el actor y director Sebastián Kirszner, que componen Azulejos Amarillos, obra que refleja sus investigaciones y búsquedas de nuevos lenguajes para la escena actual porteña. Dicha obra, que se presenta en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960, los jueves a las 21) aborda la metateatralidad desde reflexiones acerca del artista y las íntimas relaciones que se establecen con los espectadores, apelando en su concepción a elementos de las poéticas beckettiana y shakespeariana. Con los actores Augusto Ghirardelli, Daniel Ibarra, Eduardo Lázaro y Dionisio Javier Pastor, el director musical Gamal Hamed, la escenógrafa y vestuarista Lola Gullo, quien comparte la asistencia de dirección con Victoria Arrabaça, este joven grupo construye y plasma en escena una obra particularmente "llena de teatro".

–¿Cuál es la génesis de la obra dramática?

Ricardo Dubatti: –Mi punto de partida fueron las experiencias traumáticas que viví en la reparación del baño de mi casa. Tuve un desfile de toda clase de plomeros y albañiles durante más o menos un mes y medio. Ahí empezó a aparecer lo que a mí me gusta llamar el "síndrome de la refacción del hogar", ese momento en que uno está en la mitad de la reparación y no se puede volver atrás pero tampoco parece que uno vaya a llegar al fin del asunto jamás. Una de las cosas más impactantes fue el momento en el cual uno de los albañiles abre la puerta del baño y aparece con el inodoro en los brazos, lo deja en el living, vuelve al baño y cierra la puerta. Quedar a solas con el inodoro en el medio del living mientras yo estaba tratando de trabajar fue la mejor expresión del mito de Sísifo de Camus jamás habida. Fue el sentimiento de absurdo en su máxima expresión, entonces dije "esto tiene que estar en la obra". Me pasó también algo que aparece en la obra y que es la canción que surge a partir de la lluvia: se llovió el techo de mi casa y puse uno cacharros. Estaba desesperado cuando empezó a sonar una musiquita muy linda. Sonaba realmente musical, tenía ritmos muy nítidos. Esas son algunas de las cositas que s confluyeron en la desesperación que sentí con los albañiles. A partir de ese material escribí la obra, la publiqué (Pájaro Tiresias y otras obras, Santiago Arcos Editor) y un cierto tiempo después, surgió la posibilidad de hacer una antología para Interzona que hizo que Sebastián. Comenzamos a ponernos en contacto y así arrancó la unión.

–¿Cómo llegás a la representación a partir del texto?

Sebastián Kirszner: –Antes de cualquier elección de texto o de material, hay una elección de búsqueda de lenguaje, cierta preocupación por esa cuestiones en términos teatrales. Y bueno, leí esta obra y me convocaron sus temáticas. En realidad no se qué exactamente, pero hubo algo que me atrapó. Venía dirigiendo obras mías y tenía muchas ganas de dirigir un texto de otro y apareció esta posibilidad. Además, Ricardo me dijo "elegí la que quieras".

RD: –Y también te dije "hacé lo que quieras".

SK: –Creo que lo que más me convocó de la obra es el personaje de Pepe (interpretado por Dionisio Javier Pastor) que habla de la vocación frustrada, había algo que temáticamente me convocaba. Y ahí comenzó el proceso de puesta. Convoqué a dos músicos que no estaban en la dramaturgia. Porque en el texto la acción se da en un baño y como también dentro de esta exploración hay ciertas cuestiones del mundo del actor que me interesa narrar y sobre las que me interesa opinar, se me ocurrió que el baño podría ser el de un teatro. Y como me interesa mucho la música en escena (es algo muy presente en mis puestas) aparecieron estos dos músicos de una obra de teatro que están ensayando en este baño. Ahí surgía el primer desafío, la incorporación de dos personajes que no tenían dramaturgia desde la textualidad que proponía Ricardo, entonces había que construir un relato que conviviera con el que venía por otro lado. En ese sentido, la tarea fue muy placentera porque el texto es muy poético y propone mucha condensación, una multiplicidad de caminos que se pueden tomar. Estos dos personajes que no están en la dramaturgia y cuatro actores muy lúdicos, proponían y abrían la posibilidad de una búsqueda muy tonal que convivía con ese texto tan poético. Ese fue el punto de partida: encontrar una singularidad en el espacio. Ya teníamos el texto que venía dado por el libro y estos actores brillantes.

–¿Cómo manejan las menciones metateatrales en la obra? Porque, por ejemplo, hay chistes que hacen referencia a algunos integrantes del equipo.

SK: –Se multiplica. En ese sentido hay un referencia a Dioniso, el dios griego, en juego con el nombre del actor, y otra a la escenógrafa y vestuarista Lola Gullo. Hay una búsqueda muy marcada de la metateatralidad. Porque la convención que armamos fue que los personajes de los albañiles no tienen conciencia de que son parte de un relato pero los músicos sí, son actores que están haciendo Azulejos Amarillos. A la vez hay detrás algunos cuadros con las diferentes marquesinas. Conviven diferentes conciencias en relación al relato y ese es otro de los pisos donde se sostiene la puesta.

RD: –Y eso también estaba en obras anteriores tuyas como Las memorias de Blanch, donde se trataba mucho a la situación de ruptura.

–¿Y cómo releíste las cuestiones beckettianas del texto?

SK: –En principio me divertían mucho. Yo estudié con Guillermo Cacace, con quien se ven mucho este tipo de textualidades. Me gusta probar la apertura, recurrir a estas palabras que proponen estados. Creo que había algo que implicaba cierto riesgo en escena y allí se multiplicaba. Es por eso que hablamos de un teatro de estados con Ricardo, de climas que se perciben y eso es lo que hoy los chicos logran plasmar en el escenario. 

RD: –En mi caso, yo entré al teatro de estados por Pavlovsky, y el entró más por el lado de Bartís, que a mí me parece fascinante. Y es un encuentro súper interesante, además el entra por la dirección y yo por la dramaturgia.

SK: –Además el paradigma de Bartís es la dirección y el de Pavlovsky es la dramaturgia.

RD: –Claro, de golpe nos dimos cuenta de que nos interesaban cosas en común.

SK: –Es formar un buen equipo, sin narcisismos. Me siento muy bien dirigiendo su texto, porque es su poética, multiplicada por la mía.

RD: –Sí, eso absolutamente, son poéticas abiertas al diálogo. Me gusta mucho la posibilidad de ver en la puesta cosas que a mí no se me ocurrieron. No se me ocurrió que sacaran los papeles del inodoro, y cuando lo vi en escena pensé, ¿cómo no se me ocurrió eso?

SK: –Creo que tenemos que hablar de "obra", no de dramaturgia y dirección, porque cada uno desde su lugar va completando, como un equipo de fútbol, somos un Barcelona, te diría (risas). Creo que la dramaturgia te da un punto de partida y el director resignifica lo que da el actor. Recibe lo que el actor da para que siga creciendo, pero en definitiva el que poetiza es el actor.

RD: –Sin duda, es quien pone el cuerpo, enfrenta todo el tiempo el abismo. Parafraseando a Cacace, es el que tiene que estar ahí para que se produzca el convivio. «

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PÁGINA 12: Una obra en construcción continua

La pieza teatral de Ricardo Dubatti, dirigida por Sebastián Kirszner, va transformando lo que en principio parece un encuentro “normal” entre cuatro personajes en una serie de situaciones oníricas, absurdas y hasta filosóficas.

 Por Paula Sabatés

Azulejos amarillos confirma una máxima: se puede generar acción dramática sólo con el recurso humano. No es que la obra escrita por Ricardo Dubatti y dirigida por Sebastián Kirszner carezca de otros elementos de la puesta en escena. Los tiene, y en efecto colaboran con la calidad del espectáculo. Pero en esta obra todo lo que sucede está allí, en el cuerpo vivo de actores que dicen y hacen con una potencia tan grande que todo lo demás pasa a un segundo plano. La pieza, que es la primera del joven dramaturgo en ser llevada a escena, muestra a dos albañiles que se disponen a arreglar el baño de un teatro en construcción. Allí se encuentran con dos músicos que se encerraron a ensayar una obra. A partir de entonces, el tiempo irá transformando lo que en principio parecía un encuentro “normal” entre cuatro personajes en una serie de situaciones oníricas, absurdas y hasta filosóficas.

Dionisio Javier Pastor y Augusto Ghirardelli interpretan respectivamente a Pepe y Pridamante. Cada uno construye a su albañil aprovechando sus recursos físicos y actorales, lo que hace que posean registros distintos que el director aprovecha en beneficio del texto. Sorprende, pero hasta sus rostros parecieran haber sido moldeados para encarnar a estos trabajadores, y también sus voces. Como si estos actores hubieran nacido para interpretar a estos personajes. La elasticidad y altura de Ghirardelli le sirve para construir un Pridamante inquieto, aparentemente ingenuo y algo torpe, mientras que el Pepe de Pastor es más serio y decidido, cosa que se puede ver en su cuerpo. Ambas actuaciones son magistrales y una de los elementos más destacados de la puesta.

Pero los albañiles no están solos. Lejos de ser simples acompañantes, tal como sucede en otros espectáculos, los músicos de Azulejos amarillos son parte fundamental de la obra. Interpretados por Daniel Ibarra y Eduardo Lázaro, los músicos/actores son auténticos personajes, con todo lo que eso implica. Su participación es tan fundamental como la de los albañiles y hasta determina a estos últimos, para quienes su encuentro no será gratuito. Si bien tienen poco texto, sus acciones físicas y también la música que tocan, que acompaña los climas dramáticos que proponen Pepe y Pridamante, ayudan a darle sentido y completan el universo que se ve en escena. Es de destacar, en ese sentido, la música original, a cargo de Gamal Hamed y el propio Lázaro.

Claro que además de las virtudes evidentes de los actores, su lograda participación es también mérito de Kirszner. El joven director ya se ha destacado anteriormente con Las memorias de Blanch y El casting, entre otras piezas de las que es autor y director. Ahora, su (re)lectura del texto de Dubatti, y su capacidad de llevarlo a escena como lo hizo, confirma que se trata de un director con un estilo bien propio, que en lugar de repetir fórmulas está abierto a la exploración de nuevos recursos. Su decisión de trabajar sobre un campo de acción acotado (la proximidad que les dio a los objetos hace que la sala parezca más chica) le permitió acentuar la acción dramática. Y la multiplicidad de códigos y recursos que utiliza en escena hace que la puesta presente varias puertas de entrada para que el espectador elija por cual sumergirse en ella.

En cuanto a Dubatti, su trabajo es profundo e inteligente. Con ingenio, el dramaturgo logra una mezcla perfecta entre el absurdo y una lógica más realista. La pieza, con reminiscencias de Beckett asumidas por el mismo autor, tiene la habilidad de esconder un procedimiento tan interesante como el de la metateatralidad (aquel en el que el teatro habla del teatro). Sobran motivos para asegurar que eso intentó el dramaturgo, aunque para preservar el misterio y la sorpresa del espectáculo no serán relevados en esta nota, ya que el descubrimiento de esto, por parte del espectador, es una de las cosas más interesantes que plantea la obra. Basta con comentar los más obvios, que tienen que ver con la escenografía, a cargo de Lola Gullo. En aquel baño se encuentran colgadas las marquesinas de algunas de las anteriores obras de Kirszner y también de esta misma, Azulejos amarillos.

Pero Dubatti no sólo logra explorar de una forma muy original y creativa un recurso utilizado tan frecuentemente en el último tiempo como es el de la autorreflexión teatral, sino que además logra filtrar, como lo hace el agua de una cañería rota, una metáfora sobre el oficio dentro de tanto absurdo aparente. Como el albañil, el actor está en continua construcción, en una construcción infinita, si se quiere (el mismo autor, al explicar la génesis de la obra, señaló que para él “la reparación de la casa es Godot, por eso no llega jamás”). Los mismos azulejos amarillos son también una metáfora. Del deseo de hacer, motor de cualquier oficio y también de cualquier pasión. Cuando el espectador entiende eso, la metateatralidad cobra un nuevo sentido. Azulejos amarillos habla ahora de Dubatti, de Kirszner, de esos actores. De ese grupo de “Teatro Joven” que, con esta pieza, se esfuerza por encontrar un estilo propio y ayudar así a delinear un nuevo rumbo para el teatro independiente.

* Azulejos amarillos va los jueves a las 21 en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960.

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Crítica a "Azulejos Amarillos", por Alejandro Surroca

Azulejos amarillos, escrita por Ricardo Dubatti y dirección de Sebastián Kirszner, es una obra que nos conecta realmente con la historia del teatro. Me animo a ampliar el espectro y mencionar al arte; pues no sería del todo correcto reducir la curiosidad y la pasión que suscita el arte a cualquier tipo de historia humana.. tal vez sea éste otro de los grandes misterios del universo.

Estamos en el subsuelo del Camarín de las musas (Mario Bravo 960), eso empieza a significar algo: que la experiencia de estar probando la panacea del tiempo; el ingreso al imperio de la alteridad proporcionado por el teatro, adquiere una sensación insondable. Y en aquellas tierras del Hades misterioso, fisioplástico y como de juguete, nos hallamos ante la presencia de dos músicos junto a lo que comúnmente llamamos un...inodoro.

Mientras el conversador (que para la terminología teatral es un espectador sin espectar) prolonga indebidamente su rutina en esas oscuridades, sin haber caído todavía en el primero de los encantamientos, a saber: me siento ante una postal, una síntesis, un azulejo dispar, amarillo, donde los elementos de la vanguardia histórica evanescen en una especie de segundo sueño.

El espesor impresiona y no sabemos ya a cuantos metros estamos de teatro ahí dentro. Será con la llegada de los plomeros que empezamos a adivinar una situación de carácter meta teatral (y que ya era meta textual): éstos han venido por la reparación del baño de un teatro que está en proceso de construcción. Aquellos músicos pertenecientes a una obra de teatro se encontraban ensayando en ese preciso momento. En el baño, si.  

El humor y la música se imponen como apóstoles creíbles que propagarán todo el sismo de sensaciones y reacciones tras la máscara oscura del espectador, es decir del conversador que no conversa, al menos por unos cuantos minutos.

Una comedia musical y “absurda”, si se puede utilizar éste término, puesto que serán un tanto vanas aquí  las sugerencias que liguen la obra con el teatro del absurdo. Éste ha sido también un género histórico y por lo tanto deben tomarse en consideración algunas cuestiones. El horizonte de expectativas (usando las consideraciones de Hans Robert Jauss sobre la recepción) para con los géneros de posguerra; la fusión de horizontes entre la mostración en escena y la mirada del espectador, ya no es la misma. No es un hecho menor, al contrario, es por demás interesante. Hoy podemos afirmar por ejemplo y para tomar uno de los rasgos absurdistas-beckettianos (el de quebrar la narrativa aristotélica en el acontecer de los personajes, produciendo ese frustrante vagar comunicativo y físico que los lleva a su inevitable descomposición) que la “acción” de esperar ha cambiado notablemente. El de hoy en día es un hombre que, lejos de estar devastado y perdido en un mundo sin rumbo, busca desesperadamente la solución a los problemas (nimios?);  un ser devenido banda ancha que llega a sentir intolerable hasta el propio hecho de ingresar en aquel único espacio donde se lo somete (porque el teatro es alquimia, y hasta el atroz concepto de sometimiento se torna positivo) a la enajenación de todos sus dispositivos. La obra parece tomar consciencia de esta situación, y esa espera (la de los músicos por tocar en la función, la de los albañiles por “llenar el tiempo laboral” y cumplir sus sueños y esperanzas) es una espera dinámica, entretenida gracias a los mecanismos de la música y el humor antes mencionados. No es un humor cínico, amargo, de resignación ante el estatismo improbable del futuro.

Agregamos a estos el trabajo lingüístico, delirante, poético, ingeniosamente entretejido; los personajes, que segregan instancias, retazos (como diría Strindberg) de varios seres, ya no solo de sus caracteres sino también de otros paradigmas textuales. El universo imaginario se expande.

Es también un gran trabajo de intertextualidad: reminiscencias al teatro de Apollinaire; existencia de una especie de falso “macguffin” (extraña paradoja! puesto que los azulejos amarillos no son ningún pretexto para contar esta historia si se cree fielmente en la fantasía y la imaginería poética de la vida) a lo “pulp fiction”, donde las hipostasis del sentido del hombre y el espíritu velarán por siempre en una maleta; y el personaje que interpreta Augusto Ghirardelli, recordando la gestualidad y los movimientos en el cine de Jacques Tati; el teatro de Shakespeare eternizado en su imagen (para la Industria Cultural todo lo vale por igual, así como la Mona Lisa puede proporcionarte placer también mientras bebés tu vaso de café, el dramaturgo inglés se convierte aquí en un destapador de coca colas!)

Finalmente salía extasiado de ensueño. Gobernado por sustancias alquímicas seguía sin ser visto, obnubilado por una imagen que no se iba del todo. De esa manera subía ahora por las alturas de la realidad, lo que provoco que tuviera varios traspiés, y un regreso no del todo placentero.

Recomiendo ir a ver Azulejos amarillos

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Mirada atenta: Azulejos Amarillos. Por Charly Zarate

Mirada atenta: Azulejos Amarillos

El arte es una pistola cargada de futuro

Por Charly Zárate

Después de haber sido un espectador atento a las tres obra anteriores de Sebastián Kirszner (La beca, El casting y Las memorias de Blanch), puedo asegurar que este joven director de teatro y dramaturgo abrió un surco personalísimo entre la tierra del teatro independiente. Con el estreno de Azulejos Amarillos, Kirszner amplía su búsqueda estética y de lenguaje, que nunca repite formulas sino que acumula recursos y abre el juego a nuevos desafíos. Asume riesgos y los va atravesando con creativo ingenio dentro de su propio tablero de juego que es la obra misma. Esto lo consolida como un director de auténtica originalidad y lo posiciona en una línea artística de vanguardia y ruptura de los convencionalismos en el teatro.

El lugar elegido esta vez para su nueva puesta en escena es el baño de un teatro en construcción o deconstrucción, eso no lo sabemos. Allí se confluyen realidad e irrealidad de dos profesiones tan antagónicas como cercanas: el albañil y el artista. Ambas construyen, crean, cimentan una obra. Y es desde estas dos perspectivas que se va enlazando el brillante texto de Ricardo Dubatti. El dramaturgo trabaja con materias primas básicas para lograr un entramado sumamente complejo y polisémico.  

"Las baldosas me hacen acordar a los ecos y me hacen pensar que hay un mundo allá afuera, un mundo que de golpe decide conectarse con el nuestro a través de los artistas, que funcionan como antenas (...) Quizás suene un poco ridículo. Que haya un mundo mágico del arte atravesándolo todo, todo el universo. Y que los artistas funcionen como antenas a esas ideas mágicas." (Pepe, albañil y ¿actor?)

Entre inodoro y mingitorio pasan Ionesco, Shakespeare, Chejov... Lo dramático, lo onírico, lo bizarro, lo filosófico, lo grotesco.... Todo orquestado magistralmente por un director que no deja ningún detalle sin calibrar. El humor, la música y hasta alguna coreografía son relevantes y colaboran para marcar un ritmo sostenido de la pieza.

     

El manejo direccional que Sebastián Kirszner hace sobre el cuerpo de los actores es de carácter antropológico. Logra exprimir el talento de cada uno de ellos al máximo. Los cuatro actores son increíbles y magnéticos. La conexión entre ellos esta sincronizada de manera brillante. Pocas veces sucede que en una obra el público arranque en un espontáneo aplauso y ovación, enardecido y asombrado por lo que esta presenciando. Y allí es cuando justamente cuando el público se convierte en el mejor termómetro de un hecho artístico, porque es incondicional y no está sujeto a la prejuiciosa o interesada mirada de ningún crítico.

Podría extenderme contando más detalles de Azulejos Amarillos, tendría que cuidarme de no develar momentos sorpresivos o detalles puntuales que atenten contra la magia del teatro, por eso prefiero convocar a que vayan a presenciar con sus sentidos prestos de disfrutar un trabajo excelente. De lo mejor que he visto en el último tiempo.

Ficha técnico artística:

Libro: Ricardo Dubatti

Elenco: Augusto Ghirardelli, Daniel Ibarra, Eduardo Lázaro y Dionisio Javier Pastor.

Escenografía: Lola Gullo

Diseño Gráfico: Lola Gullo

Asistencia de Dirección: Lola Gullo y Victoria Arrabaça

Fotografía: Victoria Flor Cabrera

Retoque digital: Daniela Potente

Diseño de Luces: Sebastián Kirszner

Música original: Gamal Hamed, y Eduardo Lázaro.

Dirección musical: Gamal Hamed.

Prensa: Simkin & Franco.

Dirección y Puesta en escena: Sebastián Kirszner.

Azulejos Amarillos se presenta en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960) los jueves a las 21 horas.

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El proceso de escritura dramática y montaje de Azulejos Amarillos

AZULEJOS AMARILLOS - Dos albañiles vienen por el arreglo del baño de un teatro en construcción. Como este espacio es el único que todavía no ha pasado por las mazas de los obreros, cuando estos llegan, se encuentran con los músicos de una obra de teatro, que se han encerrado en el baño a ensayar. No solo pareciera que esto no es un impedimento para comenzar con la “obra”, sino que además despierta el deseo de uno de ellos de ser mirado por estos profesionales del arte. Suenan melodías, pareciera que la “obra” va a comenzar. 

EL PROCESO DRAMATÚRGICO: por Ricardo Dubatti

El origen de la Azulejos amarillos fue bastante concreto, mundano diría. Vivo en un departamento y al vecino de abajo se le hacía una mancha de humedad importante en el techo de su baño. El consorcio estaba determinado que mi baño ocultaba el problema y que había que romper el piso. Hubo un pequeño desfile de toda clase de albañiles y plomeros y llegué a estar sin baldosas en el piso durante alrededor de una semana y media. Al poco tiempo de la flamante reparación, resultó que también pasaba por mi pared un caño central que había que cambiar. En total, por las dos reparaciones, debe haber sido un mes y medio de toda clase de situaciones inverosímiles. En un punto de ese recorrido, me había puesto a escribir sobre eso que hoy llamo el síndrome de la reparación: ese momento en el que uno, por mejor o peor que vaya siendo la refacción, se pregunta el por qué de este ejercicio tan absurdo de arreglar la casa. Todo esa fatiga, toda esa preocupación de no ver avanzar el trabajo se unió a Beckett y la lectura de El Innombrable. Allí me resonaba el principio “Hay que hablar, por más que ya no haya nada más que decir”. Había que aguantar, por más que ya estuviera agotado. En un acto de asociación no muy sorprendente llegué a otra idea que me gustaba: la reparación de la casa es Godot, por eso no llega jamás. Y así surgió este ámbito de dos albañiles trabajando mientras la refacción no termina de ocurrir a pesar de la paciente espera.

Ya teniendo una buena parte de Azulejos Amarillos, le faltaba algo más, un eje que canalizara el deseo que tenía de escribir, de crear. Ocurrió algo más. Un miércoles llovía. Miércoles que volvía tarde de cursar y que me encontró con otra grata sorpresa: me llovía el techo. Cuando llegué llovía un poco (dentro). Gradualmente iban cayendo más gotas, pero a un ritmo pausado y variado. Puse recipientes debajo y esperé. Estaba furioso, pero la presencia de mi novia implicaba decoro. Fue ahí cuando escuché el groove de la lluvia, los fantásticos sonidos que hacían los cacharros y el agua. Mi novia estuvo a punto de internarme en un manicomio, porque yo me reía nerviosamente y tocaba música con la lluvia usando una pezuñas que tenía guardadas. No lo grabé, pero descubrí que ahí pasaba algo. El arte ya estaba ahí antes que yo lo pensara, vinieron a mi mente Nietzsche y Mallarmé, y también Robert Fripp, legendario guitarrista de King Crimson. Fripp decía algo como (palabras más, palabras menos) “las canciones ya están flotando en el aire; uno simplemente las escucha y las hace bajar a sus manos”. Ahí surgió el eje que faltaba: mis ansias de crear sin tener muy en claro lo que estaba haciendo realmente. Y surgieron los poemas y los azulejos como ejes del deseo. El poema del bidet ya estaba escrito hace mucho y cuando se lo leí a un amigo para usarlo como letra para una canción, él contestó: “es el mejor poema acerca de mear que jamás leí”. Ahí volvió Beckett.

No obstante, no fui conciente de casi nada de todo esto hasta que un día mi viejo me llevó a ver El perro pequinés, dirigida por Alfredo Arias. Ahí conocí al fantástico dramaturgo uruguayo Carlos Manuel Varela, con quien charlamos de nuestro fanatismo por Beckett, Ionesco y Nietzsche y le conté del poema del bidet. Fue con su ayuda que descubrí dos cosas: cómo orientar la escritura de la obra (al poco tiempo surgieron los azulejos amarillos como eje del deseo que completara esa necesidad de ser poeta de uno de los albañiles) y que era una obra en la que tenía que abrazar todo aquello que estaba alrededor de la escritura. Incluso mi desesperación por crear arte. Tenía que juntar todas esas vivencias y hacerlas parte de la Azulejos amarillos. La obra devino en lo que me gusta pensar un homenaje a los oficios. Crear es simplemente hacer y creer en eso que uno hace, por más que a veces uno se sienta desorientado. HACER es el paso natural de la pasión, es necesario para lograr que eso que uno desea no necesariamente sea, pero esté unos pasos más próximos. Por eso creo que Azulejos Amarillos tiene una presencia tan sincera y sencilla, porque es el resultado de un trabajo intenso e inocente. Hoy se ven muchas cosas muy claras, pero en aquél momento de escribirlo, era un momento confuso e incluso aterrorizante. Espero que la gente disfrute tanto como yo disfruto esta obra.

EL PROCESO DE MONTAJE Y PUESTA EN ESCENA: Por Sebastián  Kirszner

 Al comenzar con la puesta en escena había varias hipótesis disparadoras del proceso: Primero, el baño al cual venían los albañiles a romper, era el de un teatro “en obra”. No solo eso, dentro de éste baño, dos músicos instalados cual objetos escenográficos, aguardan el comienzo del relato. Ellos están ensayando (probablemente esta misma obra: “Azulejos Amarillos”). Esta hipótesis multiplicaba la dirección del personaje de Pepe, músico devenido en albañil, al que ahora, la enunciación de querer encontrar su canción entre las herramientas, y cantarla, tenía un interlocutor muy claro: la mirada de estos músicos, con un su saber musical. Segundo, en relación al espacio, la proximidad de los objetos, y la posibilidad de que esta cercanía generara un campo de acción bastante acotado (espacialmente hablando): cuatro hombres en un baño pequeño, entre mazas e instrumentos musicales son una buena combinación para generar acción dramática. Tercero, la necesidad de construcción de un relato para estos dos músicos, para poder convivir con Pepe y Pridamante. En ese sentido, el encuentro con un texto de mucha apertura, y condensación poética, con rasgos de un absurdo “beckettiano”, posibilitaba a no atarse a ninguna lógica de “entendimiento” realista del texto, y al no anclaje a ninguna cadena asociativa lógica de condicionamiento de los personajes.

Distintas lógicas de poder, van rotando a lo largo del todo el relato que generan un “estado”, y una tensión dramática que va creciendo y mutando, y con ella se van tejiendo distintas alianzas, fugaces y episódicas. Nos encontramos con un primer momento de llegada de los albañiles, de encuentro con estos músicos, que no pareciera muy lejos de cierta lógica de la realidad, pero que de a poco, sobre ella se va instalando lo que sería el “tono de la obra”: difícil de enunciar con palabras (que no terminan de apresar la verdadera cosa), pero que en una vaga aproximación, aparece cierto enrarecimiento formal que nace a modo de fugas. Asímismo la obra vuelca de momentos cómicos a trágicos, y por momentos aparecen recortes temporo-espaciales un tanto oníricos.

El juego con la metateatralidad aparece nuevamente, deja en vilo la falsedad de la cosa, pero asumida con tanta verdad, que se transforma en una paradoja. Entonces en el espacio del baño- teatro hay marquesinas de las otras puestas de “Teatro Joven”, grupo al que así llamamos por la intensión de búsqueda de cierto lenguaje (que siempre será novedad, o joven, en relación a lo ya conocido), equipo de trabajo que ya viene montando obras (Lola Gullo: escenógrafa; Gamal Hamed: Músico; Vicki Cabrera: Fotografa; Vicki Arrabaça: actriz, asistente en éste proyecto). Uno de estos cuadros, que son percibidos por los personajes, es el de “Azulejos Amarillos”, la actual obra. Entonces el relato, además de mostrar la hilacha de cierta teatralidad, pareciera ser el mismo de todos los jueves, pero a la vez, diferente. En algún momento de la obra se juega con un “deja vu”, como si el texto se les hubiera olvidado y entonces lo vuelven a representar. Además hay diferentes grados de conciencia de pertenencia al relato: los músicos saben que están actuando “Azulejos Amarillos”, pero los albañiles no tienen idea, pero a la vez sospechan, porque las cosas vuelven a ser como la semana anterior.

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Crítica a "Azulejos Amarillos", por Laura Rauch para Crack Magazine

Entre el deseo, la música y la representación infinita: “Azulejos Amarillos”, de Ricardo Dubatti, dirigida por Sebastián Kirszner.

Apreciar una obra teatral es una experiencia tan placentera como compleja: la superposición de elementos requiere de la mayor de las atenciones sin provocar esto, un esfuerzo consciente. Existen ciertas obras que solicitan un trabajo posterior de reflexión, de vuelta a ver mental que permiten apreciar elementos que en la inmediatez de la representación se pierden, tal vez, por formar parte de un todo orgánico, una maquinaria que “funciona a la perfección” que “dice por todos lados”. Este es el caso de Azulejos Amarillos, la puesta en escena de Sebastián Kirszner sobre el texto dramático de Ricardo Dubatti; dos artistas de la generación sub 30, que combinan sus conocimientos teatrales para el encuentro de un lenguaje que refiere al quehacer poético.

Partiendo de un texto que narra los deseos artísticos de dos albañiles (Pepe y Pridamante) en tono cómico y absurdo – con una marcada presencia de elementos de la poética beckettiana – la puesta ahonda en constantes rupturas de las convenciones realistas, proponiendo profundas reflexiones respecto del arte teatral. Con la presencia de cuatro dúctiles actores en escena – Augusto Ghirardelli, Daniel Ibarra, Eduardo Lázaro y Dionisio Javier Pastor – la narración cotidiana de un arreglo de albañilería se convierte en la mejor excusa para “decir sobre teatro”. “Decir”, desde la palabra y el cuerpo, en donde la gestualidad, la dicción y la música condensan la comicidad, lo lúdico y los anhelos artísticos.

En su totalidad, la obra configura una compleja red de relaciones que circulan entre el amateurismo y el oficio, concibiendo el símbolo de los azulejos como aquellos objetos de deseo o pasiones que se convierten en los motores de cada ser humano. Y sin duda, los azulejos amarillosde estos jóvenes teatreros son el mismo arte escénico.

Apelando a Shakespeare desde la escenografía, la presencia de dos actores/músicos – quienes ensayan en ese baño una pieza teatral, probablemente la misma que llevan a cabo – con vestimentas propias de la época del autor inglés y que aportan la musicalidad a la escena, las referencias metateatrales inundan la totalidad del espacio, no solo el de la representación sino también el la sala. En varias oportunidades, y por medio de diversos recursos, los personajes advierten la presencia de un grupo de observadores frente a ellos, otorgándole a los espectadores ese rol complementario que el teatro, en todas sus formas, requiere. Asimismo, las menciones sobre la música se multiplican en escena, ya que dos personajes – nombrados “músico 2” y “músico 2 bis” -  ejecutan en escena los instrumentos, mientras los otros, recuerdan sus experiencias musicales admitiendo que su vocación artística es más fuerte que el oficio intentan llevar a cabo.

Por esto podemos afirmar que la obra se basa en constantes repliegues, propuestos desde el texto y la puesta mediante el humor verbal y corporal, sostenido por cuatro actores que componen una obra orgánica, minuciosamente constituida y con posibilidades de improvisación en conjunto que acrecienta ciertos rasgos y genera que cada escena sea extremadamente divertida, llena de contenido, apelando por momentos a recursos cinematográficos, y que brinda libertad a los espectadores a receptar y comprender siempre un poco más.

Y es tal vez lo dicho hasta aquí, una muestra de la intensa y profunda búsqueda de un lenguaje propio, una singularidad que envuelve la obra, que permite que esa puesta en abismo se constituya como el sincero testimonio de este grupo de artistas – tanto dentro como fuera de al escena – que logran enlazar fuertemente la idea de profesionalismo con el concepto de juego.

De las rupturas que propone la puesta, tal vez sea el final una de las más interesantes: los actores nunca saludan al público como tales, sino que son los personajes quienes, desconcertados, observan a los espectadores aplaudir. Obviando la convención del “reconocimiento del artista como tal”, los personajes toman posición de nuevo en escena y plantean una continuidad: la obra seguirá el jueves siguiente, de igual modo o acaso no. Esta provocación al público es postulada desde la marcación explícita a los espectadores para que se retiren, evidenciando por medio de la iluminación que la ficción finalizó, o al menos se detuvo, dejándolos inmersos nuevamente en el plano real ahora cargado de nuevas significaciones. Por esto la idea de la representación efímera, es decir, una irrepetible experiencia, queda opacada por la continuidad que la misma plantea, y a su vez, evidenciada por la posibilidad que, la semana siguiente, la historia tome otro rumbo. Postula entonces una representación infinita, que remite nuevamente a las complejas configuraciones espacio-temporales plasmadas en escena desde la palabra, la música y el cuerpo simultáneamente. Y es esta decisión de sostener la magia de la ficción, la que deja a los espectadores con la sensación de haber sido poseídos, junto con los personajes y los artistas, por el influjo de los azulejos amarillos.

Ficha técnico artística:Libro: Ricardo Dubatti
Elenco: Augusto Ghirardelli, Daniel Ibarra, Eduardo Lázaro y Dionisio Javier Pastor.
Escenografía: Lola Gullo
Diseño Gráfico: Lola Gullo
Asistencia de Dirección: Lola Gullo y Victoria Arrabaça
Fotografía: Victoria Flor Cabrera
Retoque digital: Daniela Potente
Diseño de Luces: Sebastián Kirszner
Música original: Gamal Hamed, y Eduardo Lázaro.
Dirección musical: Gamal Hamed.
Prensa: Simkin & Franco.
Dirección y Puesta en escena: Sebastián Kirszner.

Azulejos Amarillos se presenta en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960) los jueves a las 21 horas.

Por Laura Rauch

Estudiante avanzada de la carrera de Artes Combinadas (UBA) e integrante del Área de Investigación en Ciencias del Arte (AICA) en el Centro Cultural de la Cooperación

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Crítica a "Azulejos Amarillos", por Jonathan Sassón

Azulejos amarillos

Director: Sebastián Kirszner. Autor: Ricardo Dubatti. Iluminación: Sebastián Kirszner. Música original: Gamal Hamed y Eduardo Lázaro. Dirección musical: Gamal Hamed. Diseño del espacio:Lola Gullo. Elenco: Augusto Ghirardelli, Daniel Ibarra, Eduardo Lázaro y Dionisio Javier Pastor.Prensa: Simkin & Franco.

"Mi tubería fea, tengo que dejarte atrás, tengo que olvidarte y seguir adelante. Muchas veces no sabemos lo que tenemos adelante hasta que entendemos lo que tenemos detrás, el camino que se fue y no retorna. Retorna como experiencia, como nuevos azulejos amarillos que recubren ese baño que es la vida.”

Entramos al baño de un teatro o al teatro de un baño. Para ser precisos, el espectáculo es en una sala teatral, el espacio representado es el baño de un teatro en construcción.

El trabajo no lo van a hacer solo albañiles, unos músicos que se encuentran allí también pondrán manos a la obra.

El par de músicos hace de base musical y actoral, a veces hacen la música incidental, pero no solo acompañan o ambientan sino que son parte de la acción en conjunto con los “albañiles” (personajes) que actúan y cantan también. En definitiva todos actúan, cantan, hacen música y hasta bailan.

El contexto podría ser propicio para lo escatológico, pero no, lejos de eso, nos encontramos con una pieza que podría enmarcarse en el teatro del absurdo con algunos otros condimentos.

A simple vista podría parecer solo una sucesión de cosas sin lógica, pero la obra tiene cierta profundidad dramaturgica, el texto sumado a la puesta va generando capas de sentido. Buscando lo idílico que puede esconder algo vulgar, como el sonido de un martillazo o el del agua cayendo.

Se juega con lo que no vemos, con lo que se dice y lo que no, dejando algo latente. Por sobre todo se juega con la meta teatralidad, desde el planteo escenográfico hasta en las actuaciones, se hace explicito que lo que presenciamos es un hecho teatral.

Tomando la definición de obra: un producto de la creación, una labor que requiere de tiempo y esfuerzo, quizá este espectáculo pueda verse como una metáfora del oficio, el albañil y el actor como figuras que representan el actuar, el hacer, ambos disponen sus tiempos y esfuerzos poniéndose al servicio de la creación.

Se propone una obra en construcción, pero podemos afirmar que esta obra está bien construida, aunque si comparamos el oficio del actor con el del albañil podríamos decir que una obra teatral está siempre en construcción, se construye en cada función.

Teatro: El camarín de las musas – Mario Bravo 960

Funciones: Jueves 21 hs.

Entrada: $80

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